Hail, Caesar!

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Alden Ehrenreich, Channing Tatum, Ethan Coen, George Clooney, Hail Caesar!, Joel Coen, jonah hill, Josh Brolin, Scarlett Johansson, Tilda Swinton

Ein neuer Film von den Brüdern Joel und Ethan Coen ist für viele eines der großen Jahreshighlights. Zuletzt begeisterten sie mit „Inside Llewyn Davis“. Diesmal begeben sie sich mithilfe eines Star-Ensembles, angeführt von Josh Brolin als Fixer Eddie Mannix, in die Zeit der 1950er-Studioproduktionen. Eine Entführung, viel Eitelkeit und Kommunismus stehen im Zentrum von „Hail, Caesar!“.

PD: Wenn ich an die Filme der Coen-Brüder denke, dann fällt mir vor allem ihr tiefschwarzer Humor ein, den ich aus „Fargo“ oder „Barton Fink“ kenne. Dagegen wirkt „Hail, Caesar!“ regelrecht milde.

YP: Und wenn ich an die Coen-Brüder denke, dann fallen mir aber auch Filme wie „O Brother, Where Art Thou? „, „Burn After Reading“, „The Big Lebowski“, „A Serious Man“ und „Intolerable Cruelty“ und genau in diese Richtung begeben sie sich mit „Hail, Caesar“. „Fargo“ und „No Country For Old Men“ sind auch von den Ethan und Joel Coen, aber mit dem aktuellen Film haben diese aber – bis auf die beiden Regisseure – kaum etwas zu tun. Nachträglich betrachtet steht „Fargo“ auch irgendwie fast allein da.

PD: Das ist das Schöne an ihrem Werk, sie haben eine derartige Vielfalt und doch ihren stets wieder erkennbaren Stil. Abgesehen von „The Hudsucker Proxy“ und dem missratenen „The Ladykillers“-Remake, fällt mir auch kein Film von ihnen ein, den ich nicht immer wieder gerne mal ansehen würde.

Was bei „Hail, Caesar!“ aber schon sehr ins Auge sticht, ist der geradezu leichtgewichtige Humor, den sie hier zelebrieren. Die alten Studiofilme werden mit viel Liebe zum Detail parodiert, aber schon auch zur selben Zeit gefeiert. Für all ihren Pomp und Pathos. Am Schönsten fiel dabei die Titelgebende Sandalen-Film-Version aus, in der George Clooney, den die Coens ja einfach zu gern als Dämlack hinstellen, schamloses Over-Acting betreiben durfte.

YP: Leichtgewichtiger als andere Coen-Filme finde ich diesen hier nicht. Mir war er etwas zu übereifrig und wohlmeinend. Die Hommage wurde zu oft betont und unterstrichen.  Zwar fand ich auch die einzelnen Episoden gelungen (Ralph Fiennes und Alden Ehrenreich waren miteinander großartig) , wie die diversen Plots dann miteinander verknüpft wurden, war nicht allzu stimmig. Die Besetzung war großartig, auch ein Clooney macht sich ganz gut in so einen Ensemble. Clooney und Brolin hatten wenigstens gebührend Screen time, wobei ich mir das bei anderen aus dem Cast auch gewünscht hätte. Scarlett Johansson war mir viel zu kurz drinnen. Gerne hätte ich auch mehr von Tilda Swinton gesehen. Frances McDormand und Jonah Hill waren gerade ein paar Minuten im Bild.

PD: Ich bin mir auch nicht sicher, ob das nun gewollt war oder nicht. Denn die Handlung dreht sich ja um den Fixer Eddie Mannix (Josh Brolin) und seine wechselnden Begegnungen mit verschiedenen Stars an verschiedenen Sets. Klar wird dadurch der Raum für die einzelnen Protagonisten zwangsweise kleiner, aber diese Star-Ensemble-Inszenierung führte auch dazu, dass man von den einzelnen Charakteren nur wenig vermittelt bekam, abgesehen von einzelnen Gags. Etwa Scarlett Johanssons Promiskuität oder ihr Divenhaftes Gehabe, ebenso die homoerotischen Untertöne bei der Matrosen-Tanz-Nummer mit Channing Tatum. Es ging in diesen Stellen nicht über die Parodie hinaus.

In diesem Sinne war es für mich leichtgewichtiger als etwa andere Komödien der Coens wie „A Serious Man“ oder auch „O Brother, Where Art Thou?“, in welchen Sinnkrisen respektive Rassenkonflikte behandelt wurden. Die Schwarze Liste und der Einfluss der alten Studios auf das Leben seiner Stars wird in „Hail, Caesar!“ eher milde behandelt.

YP: In thematischen Sinne ist dieser Coen-Film bestimmt leichtgewichtiger, aber bewegt sich keineswegs leichtfüßiger als andere. Mir wurde hier auch zu viel parodiert oder zu viel reminisziert. In dieser Szene, in der Eddie einen Jobwechsel in Erwägung zieht und dann aus moralisch fragwürdigen Gründen bei seinem alten Job bleibt, das hat mich irritiert. Bei einigen Szenen fragte ich mich wirklich, was die jetzt zum Plot beigetragen hatten. Einiges wirkte auf mich als wäre es  wild und unbedacht zusammengefügt worden. Ich konnte nie ganz bei der Sache sein. Man könnte sagen, der Film hat mich auch nur halbherzig unterhalten. Wohlmeinend gemeint, aber halbherzig.

PD: Die Szenen, in welchen Mannix von einem Lockheed-Vertreter ein lukratives Job-Angebot vor die Nase gehalten bekommt, fand ich nicht ganz unwichtig, da sie die Verbundenheit von Mannix mit diesem „Zirkus“ zeigten. Obwohl scheinbar alle Gründe für einen Wechsel zu Lockheed sprechen (Bezahlung, Arbeitszeiten), kann er sich einfach nicht von dem kreativen Chaos des Studios lösen.

Es ist auch einer jener Filme, bei denen ich mir sicher bin, dass bei erneuten Sichtungen, weitere, beim ersten Mal nicht bemerkte, Gags zu Tage treten werden. Dass die Filme etwa bei Capitol Pictures (das Studio welches schon in „Barton Fink“ eine Rolle spielte) produziert werden, ist noch die auffälligste Anspielung. Enttäuscht war ich eher von dem zerfaserten Kommunisten-Plot. Die Schwarze Liste und der Wechsel von Hollywood-Star Burt Gurney auf die andere Seite wirkten mir ein wenig unkonzentriert inszeniert. Stattdessen gab man dem herrlichen Alden Ehrenreich (der mir schon in „Tetro“ sehr gut gefiel) viel Raum, um die verschiedenen Handlungsstränge miteinander zu verbinden.

YP: Diesem Studio-Chaos bzw. diesen Zirkus treten die Coens in „Hail, Caesar!“ mit viel Respekt entgegen. Wie bereits erwähnt haben sie genau so den Film angelegt. Für das moderne Publikum soll hier nochmal die alte Welt wiederbelebt werden. Und alteingesessene Filmfans können hier in den guten alten Studio-Zeiten schwelgen. Das ist eigentlich genau das, was sie auch bei „Inside Llewyn Davis“ gemacht haben, nur dort auf die Musikindustrie der 1960er Jahre bezogen. Bloß fand ich es dort auch stimmig und gelungen, wohingegen der neueste Streifen hinter den Erwartungen zurückliegt.

PD: „Inside Llewyn Davis“ hat sich allerdings auch viel mehr mit seinem Titelcharakter und dessen Lebensumständen beschäftigt. Es war mehr eine Sinnsuche in einem Musik-Drama (man denke nur an den Road-Movie-Teil mit John Goodman), deren Charaktere dann auch entsprechend ausgebaut waren. Kein einziger Charakter in „Hail, Caesar!“ ist derart mit Leben erfüllt. Da unterscheiden sich die beiden Filme dann doch grundlegend. Meine Erwartungen hat „Hail, Caesar!“ jedoch schon erfüllt und mich gut unterhalten, auch wenn ich mir stellenweise bösere Witze und vor allem einen zwielichtigeren Eddie Mannix (der echte Mannix hatte ja eine viel dunklere Lebensgeschichte) erwartet hatte.

Avengers: Age of Ultron

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Avengers, Avengers: Age of Ultron, Black Widow, Captain America, Daredevil, Guardians of the Galaxy, Hawkeye, Hulk, Iron Man, James Spader, Joss Whedon, Natasha Romanoff, Scarlett Johansson, Thor

Hier sind sie alle wieder unter Regisseur Joss Whedon versammelt. Nicht nur das, auch kommen mehrere Superheldinnen und -helden oder neue Schurken mit Superkräften hinzu. Wie sich der neue 200 Millionen-Bluckbuster aus dem Hause Marvel macht und ob er dem Fluch der Fortzsetzungen unterliegt, werden wir folgend besprechen. „Avengers: Age of Ultron“ stellt unser Kinohighlight des Jahres dar, selbstverständlich darf ein Dialog dazu nicht fehlen.

PD: Es war nicht ganz der großartige Genuss wie beim ersten „Avengers“-Zusammentreffen, aber dennoch ein äußerst unterhaltsamer und stimmiger Actionfilm mit viel Humor.

Mir fiel auch auf, dass ich mit dem All-Star-Treffen viel mehr Freude habe, denn mit den Solo-Fortsetzungen von „Iron Man“ oder „Thor“.

YP: Mir gefällt Teil 2 sogar besser, weil man hier die Liebe bzw. Hiebe spürt. Die Einzeiler sind prägnanter, die Figuren besser mit- und aufeinander abgestimmt. Außerdem liegt so viel wehmütiger Abschied in der Luft. Whedon verabschiedet sich, Tony Stark (Rober Downey Jr.) verabschiedet sich. Und beide scheinen mit dem Konzept des stillen bzw. klammheimlichen Abschieds nicht anfangen zu können.

Die Frankenstein – Kreatur Plotline (zufällig auch in unserem Beitrag von letzter Woche besprochen) war naheliegend und hat sich wunderbar angeboten.

PD: Den zweiten Teil fand ich ein wenig zu überladen. Die ganzen Cameo-Auftritte von War Machine oder The Falcon, sowie die Neuzugänge Quicksilver und Scarlet Witch, waren wie ein ständiger Blick zu den Fußnoten einer ausladenden Erzählung. Es ist gerade dieses scheinbar unendlich große Figurenarsenal, welches immer ein wenig die Handlung anhalten ließ.

Die besten Einzeiler hatte für mich Hawkeye. Er fasste die ganze Absurdität schön zusammen: „The city’s flying; we’re fighting an army of robots; I have a bow and arrow; none of it makes sense…“. Das war Whedon in Hochform.

YP: Dieses Zitat von Hawkeye hebt auch Mark Kermode in seiner Kritik hervor.

Mit dem Argument des Überladen-Seins kann ich nicht so viel anfangen, weil die Thor oder Iron Man-Filme nach dem gleichen Prinzip funktionieren („Iron Man 3“). Das stimmt auch so nicht ganz, hier passt es eben zum Bösewicht. Im Vergleich zu Ultron war Loki noch ein harmloses Kätzchen. Auch die Hülle und Fülle an Figuren ist mir kein Dorn im Auge, da die altbekannten so bewährt sind, sodass die neuen erfrischend wirken. Für mich haben sich Wanda und Maxim sehr gut ins Geschehen eingegliedert, vielleicht haben sie ein bisschen zu schnell und salopp die Seiten gewechselt. Das ist mein einziger Kritikpunkt auf Charakterebene.

PD: Bei den Charakteren blieb Whedon auch nicht mehr viel zu entwickeln. Man kennt einander, sowohl die Figuren sich und das Publikum die Figuren. Dass zwischen Bruce Banner und Natasha Romanoff eine etwas hastig etablierte Liebesgeschichte eingebaut wird, war noch der interessanteste Punkt auf Charakterebene.

Am meisten weiter entwickelt wurde Hawkeye durch sein bislang geheimes Familienleben.

Loki hat als Bösewicht eine ganz andere Qualität, verfeinert durch das tolle Spiel von Hiddlestone. Ultron hingegen ist abstrakter aber wirkte gefährlicher und die großartige Performance auf der Stimmenebene von James Spader, machte ihn auch greifbar. Ultron war nicht nur ein überdimensionierter Killerroboter, sondern ein eigenständiges Wesen. Dass Spader so mühelos von Einschüchterung zu verspieltem Sarkasmus wechseln konnte (wie er es ja schon bei „The Blacklist“ vorführt) ist beeindruckend und passt auch exakt in das Konzept von Whedon, der zwar die Comics ernst nimmt, aber dennoch damit Spaß hat.

YP: Dem Schlagabtausch von Ultron und Stark hätte ich Stunden zuhören können. Durch die kleine Verwünschung von Scarlet Witch wurden uns in die Seelenleben und Ängste von den Avengers Einblicke gewährt, die die nächste Stufe der Charakterentwicklung herbeigerufen haben. Diesmal sind – und darüber bin ich sehr froh – Thor und Captain America mehr in der Hintergrund getreten, sodass wir viel mehr auf Natasha, Hawkeye und Banner eingehen konnten. Die Liebesgeschichte mutete – im Vergleich zu den anderen Plotlines – sogar fast realistisch an, wobei sie mich nicht sonderlich erwärmte. Hawkeyes Familienhintergrund war langweilig, aber notwendig.

PD: Es war fast notwendig, den anderen Charakteren ein wenig mehr Hintergrund zu verleihen. Vor allem wie Natasha Romanoff zu Black Widow wurde, war sehr interessant.

YP: Nochmal zur Liebesgeschichte: bei den Szenen mit Hulk und Banner ist dann die Recruiting-Szene vor meinem inneren Auge gewesen. Eine gewisse Zärtlichkeit zwischen den beiden war auch im ersten Teil nicht zu übersehen. Nat ist für mich ohnehin die stärkste Figur (mit Ausnahme von The Vision) in diesem Teil und Sympathieträgerin. Wie sie die „Boys“ aufzieht und immer – und das sollte groß angemerkt werden – ganz ohne Superkräfte immer tatkräftig als erste etwas reisst – ist einfach großartig. War im ersten Teil nicht anders, ist hier noch besser.

PD: Im ersten Teil wirkte Natasha noch ein wenig wie ein Fremdkörper, da der Fokus mehr auf den Männern mit ihren Superkräften lag. Diesmal bekommt man mehr von ihren Fähigkeiten zu sehen. Da kann ich mich nur wiederholen: Wir haben von Iron Man und Co. schon so viel zu sehen bekommen, dass es gut tat, auch mal die anderen Charaktere ein wenig mehr ins Rampenlicht zu rücken.

In den ersten Minuten, wenn die Avengers im Formationsflug auf die Festung stürmen, wurde auch klar, dass Marvel dieses Filmuniversum einerseits sehr kompakt und doch wieder zugänglich genug aufgebaut hat, um Zuseher nicht zu verwirren. Nicht jeder muss „Guardians of the Galaxy“ gesehen haben, um „Age of Ultron“ folgen zu können. Selbst die Fernsehserie „Daredevil“ funktioniert, wenn man bislang nur den ersten „Avengers“-Teil gesehen hat.

Einen sehr schönen Artikel zu Marvel gibt es bei Real Virtuality.

Es ist offiziell. Phase Two von Marvel ist nunmehr beendet.

YP: Eine gewisse Übersättigung ist eingetroffen. Zumindest bei mir. Und für eine Zeit.

PD: Dabei war „Avengers: Age of Ultron“ ja nicht einmal der Endpunkt, sondern im Grunde nur der Beginn von Phase Three. Als Vorschau wurde etwa „Ant-Man“ (der je nach Quelle zur zweiten oder dritten Marvel-Phase zählt) gezeigt. Es geht also unaufhaltsam weiter.

Man sehe sich nur den irrwitzigen Zeitplan für die nächste Phase an.

YP: Für mich ist bei „Age of Ultron“ auch ein kleiner Höhepunkt erreicht. Wobei ich dazusagen muss, dass ich mich aber auch auf den dritten Teil von Captain America: Civil War, freue, nachdem Teil 2 dermaßen gelungen rübergekommen ist.

PD: Auf den dritten „Captain America“ freue ich mich dennoch, da mit „Civil War“ eine der interessantesten Geschichten darin erzählt wird. Das wäre eigentlich ein würdiger Abschluss für die „Avengers“.

Under the Skin

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2001, Denis Lavant, Girl With A Pearl Earring, Holy Motors, Jonathan Glazer, Lost in Translation, Mica Levi, Michel Faber, Prometheus, Scarlett Johansson, The Horse Whisperer, Under the Skin

Beinahe zehn Jahre arbeitete Jonathan Glazer an einer Adaption des Romans „Under the Skin“ von Michel Faber. Am Ende dieser langen Reise steht ein herausforderndes und nicht für jeden Kinogänger zugängliches Werk.

YP: „Under the Skin“ ist eigentlich einer dieser Filme, die sich nicht so leicht in Worte fassen lassen. Das werden zwei Stunden lang Stimmungen vermittelt. Ein bischen bizarr ist das Ganze dann schon.

PD: Mir gefiel vor allem, dass sich Jonathan Glazer von der ersten Sekunde weg, diesem nicht unbedingt leicht zugänglichem Stil verschrieben hat. Die Eröffnungssequenz, die sofort Erinnerungen an „2001“ wach gerufen hat, gibt den Ton vor. Man kann darüber spekulieren, wie es zur Entstehung dieses Wesen, in Form einer Frau, kam. Dabei scheint Glazer der gesamte Hintergrund der Frau und ihr Ziel, völlig gleichgültig. Man erfährt mehr über die schottische Landschaft und das menschliche Verhalten.

YP: Einen Vergleich mit Kubricks „2001“ finde ich weit hergeholt. Dann können wir gleich von der Erschaffung des Menschen sprechen,  wie wir das in „Prometheus“ gesehen haben. In diese Richtung schwenkt der Film aber nicht. Eher wie ein gewagtes kleines Experiment des Independent-Kinos. Es ist sehr ungewohnt, etwas so frei Inszeniertes zu Gesicht zu bekommen. Ich kann mir aber auch vorstellen, dass sich große Teile des Publikums – Scarlett Johansson ist ein Hollywood-Star – ziemlich fehl am Platz fühlen werden.

PD: Den Vergleich finde ich, vor allem was die Ästhetik der ersten Augenblicke angeht, gar nicht so weit hergeholt. Wenn wir uns dann mit dem Motorradfahrer in den Highlands befinden, passt dies natürlich nicht mehr. Experiment würde ich „Under the Skin“ auch nicht nennen wollen, denn Experiment hat auch immer etwas von etwas Willkürlichem und Gescheitertem. So wie ich auch den Begriff Experimentalfilm nicht mag. Das klingt sehr danach, als ob die Macher einfach drauflos werkeln würden, ohne großen Plan.

YP: Nein, ich verwende den Begriff in Hinblick darauf, dass es ein geglücktes Experiment geworden ist. Aber es stimmt, in erster Linie kommt die Konnotation des Gescheiterten. So ist es aber nicht. Ein Wagnis ist er allemal dabei eingegangen und ich bin mir sicher, dass Viele wenig bis nichts mit dem Film anfangen werden.

PD: Obwohl einige gruselige Sequenzen dabei sind, würde ich „Under the Skin“ keineswegs als Horrorfilm klassifizieren. Selbst das Sci-Fi-Genre lässt sich nur schwer verifizieren. Der Beginn und das Ende deuten zwar in klare Genre-Richtungen, aber der gesamte Film hat etwas schwer Einzuordnendes.

YP: „Under the Skin“ findet sich am besten in einer Reihe mit „Holy Motors“ von Leos Carax wieder. Oder in Filmen von David Lynch. Das Schaurige ergibt sich vielmehr aus den Einstellungen, nicht aus der Handlung heraus. Wobei die Kargheit der Landschaft auch Gespenstisches transportiert.

Es wäre dem Film gegenüber sehr unfair, ihn unbedingt ihn eine Genreeinteilung zu packen, insbesondere weil er Genre-Konventionen auf den Kopf stellt.

PD: Die „Holy Motors“-Verbindung gefällt mir gut. Der Charakter oder auch eher die vielen Charaktere die Denis Lavant dort spielte, lassen sich sehr gut in Bezug zu Scarlett Johansson setzen. Beide spielen weniger ausgeformte und „menschliche“ Charaktere, sondern eher leere Hüllen, die sich durch verschiedene Mittel erst einen Charakter aneignen. Bei Lavant geschieht dies spielerischer als bei Johansson, was aber auch an den unterschiedlichen Handlungen der beiden Filme liegt.

YP: Wobei ich mir immer denke, dass die Menschen immer mehr zu leeren Hüllen hinentwickeln. So aufs Tun und Erledigen, Abhaken ausgerichtet. Die Neugierde bleibt auf der Strecke.

PD: Gut, aber glaubst du wirklich dass in früheren Zeiten, der Mensch ein erfüllteres Wesen war? Irgendwie kann ich mir nicht vorstellen, dass der Landwirt im Mittelalter sehr viel Zeit hatte um sich selbst zu verwirklichen und einen Sinn im Leben und Tun zu finden.

YP: Ach, ich denke nicht, dass die Menschen „erfüllter“ waren. Heute wird den Menschen viel mehr ihr Spiegelbild vorgehalten. Das führt dazu, dass man sich ständig offenbart. Damals hat man übergelebt, heute sinniert man vielleicht mehr übers Leben.

PD: Wie gefielen dir die Szenen im „Black Room“?

YP: Schön anzusehen, ein wenig irritierend und verstörend.

PD: Für mich waren sie das stilistische Highlight. Die Szenen wo das namenlose Alien versucht Männer aufzugabeln, waren eher dokumentarisch und karg gehalten, aber bei den „Black Room“-Szenen, hat Glazer dem Film seine unheimliche Sogwirkung verpasst.

YP: Das ist auch eine schöne Metapher, wie sie diese Männer verführt. Obwohl es etwas ziemlich Eigenartiges darstellt, ist sind diese „Opfer“ respektvoll und fesselnd. Mir geht auch dieser fantastische Score nicht aus dem Kopf.

PD: Der Soundtrack von Mica Levi – hier ein schönes Interview mit ihr – verleiht der Inszenierung von Glazer auch die nötige Atmosphäre. Gerade bei einem Film, in dem oberflächlich so wenig passiert und noch weniger gesprochen wird, ist ein gut abgestimmter Klangteppich, unerlässlich. Man stelle sich etwa 08/15-Klaviermusik vor, die den ganzen Film hindurch erklungen wäre. Die Bilder wären eines Großteils ihrer Wirkung beraubt.

Von Scarlett Johansson habe ich ohnehin eine hohe Meinung, aber hier hat sie einen bisherigen Karrierehöhepunkt gesetzt. Sie drückt perfekt die Verwunderung über diese neue Welt und die Menschen aus und durchlebt auch sichtbar einen Lernprozess. Dass dieser für sie nicht gut endet, sagt viel über Glazers pessimistische Sicht auf die Menschheit aus.

YP: Hauptsächlich passt Scarlett Johansson in diesen Film so perfekt hinein, weil sie schön öfters nur mit ihrem Gesicht gespielt hat. Denken wir an „The Horse Whisperer“, oder an „Lost in Translation“ oder an „Girl With A Pearl Earring“. Sie drückt Verwunderung, Erstaunen, Neugierde in nur wenigen Millimetern Mimik sehr ansprechbar und glaubhaft aus. Und dann umgibt sie in dieser Rolle auch noch eine Aura des Verruchten und Verführerischen, und im nächsten Moment kann sie kalt und gleichgültig sein. Sie ist einfach nur perfekt.

Scarlett Johansson

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Brian De Palma, Captain America The Winter Soldier, Christopher Nolan, Her, Luc Besson, Lucy, Scarlett Johansson, Under the Skin, Woody Allen

Innerhalb eines Jahres sind vier Filme mit ihr in den heimischen Kinos zu sehen gewesen. Scarlett Johansson zeigt von „Her“ über „Under the Skin“ bis hin zum aktuell laufenden „Lucy“ die Facetten ihrer Schauspielerkunst. In unserem aktuellen Dialog betrachten wir einen Star, der mehr als nur oberflächlichen Glanz zu bieten hat.

PD: „Lucy“ hat einen überraschend starken Zuschauerzuspruch. Bereits 170 Millionen Dollar weltweit wurden eingespielt.

YP: Europäisches Actionkino gibt es nach wie vor und mit Luc Besson verbindet man noch immer kleine Perlen wie „Léon“, „Nikita“ und „The Fifth Element“.

PD: „The Fifth Element“ würde ich keine kleine Perle nennen, aber ja, Besson ist der Markstein für das europäische Actionkino. Beinahe jede Produktion in Europa geht nur unter seiner Aufsicht über die Bühne. Darunter auch die Liam-Neeson-Actionfilme „Taken“ oder „Unknown“ und die „Transporter“-Reihe mit Jason Statham.

YP: Das stimmt, aber „Lucy“ ist sein eigener Kram.
So viel wie heuer war er schon lange nicht mehr in den Schlagzeilen präsent, findest du nicht?

PD: Finde ich gar nicht. In den letzten Jahren hat er sich als DER große Produzent von Mainstream-Ware in Europa profiliert und in Hintergrundberichten ist immer wieder seine Marktmacht behandelt worden. Auch jetzt berichtet man ja auch mehr von Scarlett Johansson und weniger von Luc Besson.

YP: Mir ist aufgefallen, dass er die letzten Jahre auch als Regisseur sehr geschäftig war, aber kann sein, dass Johanssons Hollywood-Image hilft, „Lucy“ zu hypen.

PD: Er ist wieder etwas aktiver, denn um die Jahrtausendwende herum. Nach „Angel-A“ schien mir, war er leer. Daher wohl auch seine Arbeit als Drehbuchautor und Produzent. So konnte er sich an vielen verschiedenen Filmen und Filmreihen abarbeiten, ohne selbst die Inszenierung verantworten zu müssen. Dass er jetzt wieder vermehrt als Regisseur arbeitet, ist ganz erfrischend, seine Filme kommen aber nicht an die Qualität von Klassikern wie „Léon“ heran.

Dass ein recht platter aber amüsanter Film wie „Lucy“ so erfolgreich und effektiv ist, hängt wohl vor allem mit dem Star-Faktor Scarlett Johanssons zusammen.

YP: Vielleicht ist auch die Zeit reifer als zuvor für weibliche Action-Stars.

PD: Daran musste ich ständig denken. Johansson verkörpert eine gänzlich andere Art von Actionheldin, denn etwa Bridget Fonda, Angelina Jolie oder Gina Carano zuvor.

YP: Johansson ist aber auch nicht gerade für RomComs bekannt.

PD: Die Auftritte in den Marvel-Filmen haben sicher ihrer Glaubwürdigkeit in Sachen Action geholfen, aber ich würde sie dennoch nicht als klassische Action-Darstellerin beschreiben.

YP: Ganz und gar nicht, ich bin aber froh, dass sie sich an die Marvel-Sachen und auch „Lucy“ herantraut. Johansson war niemals festgefahren in ihrer Rollenwahl, doch diesmal geht der Schuss nach vorne. Insbesondere die Filme, die sie 2014 herausbrachte. „The Winter Soldier“, „Her“, „Under the Skin“ und nun „Lucy“. Sie beweist Mut zur Abwechslung und es zahlt sich aus.

PD: Es sind auch Rollen, die sie in jeglicher Facette als Schauspielerin und „Star“ fordern. Schließlich stellen diese Rollen allesamt unterschiedliche Anforderungen an sie.

Im Arthouse-Sektor musste sie zunächst in „Her“ rein durch ihre Stimme einen lebendigen Charakter erschaffen und in „Under the Skin“ funktioniert ihr Schauspiel alleine durch Andeutungen, Gesten und eine sparsame Mimik.

Die beiden Blockbuster sind hingegen Beispiele dafür, wie sie sich langsam den Status erarbeitet, einen Mainstream-Film auch alleine tragen zu können. Als einst „The Island“ floppte, wurde das ihrem fehlenden Star-Status zugeschrieben. Mittlerweile wirkt sie sicherer und souveräner.

YP: Allerdings hat sie auch sehr sehr viel gearbeitet. Bedenkt man, dass sie noch keine 30 ist, kann sie auf eine lange Filmliste zurückblicken. Klar, sie hat schon als Kind gedreht, aber eine Pause gab es für sie keine. Und an Rollenangeboten hat es auch nicht gemangelt. Mir schien, als hätte sie (so ziemlich) jedes Angebot angenommen. Jetzt wirkt sie selektiver. Und der Starstatus gebührt ihr.

Davor blieben höchstens „Lost in Translation“ und „Vicky Christina Barcelona“ hängen.

PD: Hängen geblieben wäre bei mir noch mehr. „Match Point“ oder „Ghost World“.

YP: Von mir aus, aber es bleibt nicht mehr als eine Handvoll guter Filme. Jetzt hat sie mit „Her“ und „Under the Skin“ zwei erinnerungswürdige Performances in einem Jahr.

PD: Das vergisst man bei ihr sehr leicht, dass sie noch so jung ist. Dadurch, dass sie in so vielen Filmen mitgespielt hat, erscheint sie bereits wie eine Altgediente.

Bei so einer jungen Schauspielerin stellt sich auch die Frage, ob man an ihrer Stelle, die Angebote von Woody Allen, Christopher Nolan oder Brian De Palma einfach so ausgeschlagen hätte.

YP: Dank ihr taugt „The Winter Soldier“ wenigstens ein bisschen was.

PD: Die erinnerungswürdigen Performances hatte sie auch zuvor schon. Die Fülle an verschiedenen Filmen – die dann nicht immer gelungen waren – hat ihre bisherige gute Arbeit ein wenig überschattet. Umso erfreuter war ich, sie in so toller Form in „Her“ oder dem fantastischen „Under the Skin“ zu sehen.

YP: Für mich ist Johansson im Cast ein Grund, ins Kino zu pilgern. Und das vielleicht seit „Match Point“.

PD: Bei „Lucy“ auf jeden Fall. Der Name Besson in Verbindung mit der Handlung, hätte mich nicht ins Kino gezogen. Ansonsten würde ich nicht so weit gehen. Sie war doch meist Teil eines starken Ensembles („The Black Dahlia“, „The Other Boleyn Girl“, usw.).

YP: „We Bought a zoo“, „The Nanny Diaries“, „Scoop“, „He’s Just Not That Into You“ usw. Allesamt weit von gut entfernt.

PD: Ersteren habe ich noch nicht gesehen, aber bei den restlichen würde sich wohl niemand darüber ärgern, würde man sie vergessen.

Ich halte sie für eine richtig gute Schauspielerin, aber sie neigte zumindest in der Vergangenheit oft dazu, ihre Rollen ein wenig eindimensional anzulegen.

Alleine in den vier Filmen, die dieses Jahr mit ihr zu sehen waren, sieht man, wie sich ihre schauspielerische Bandbreite langsam erweitert hat. Sie kann, so scheint mir, nun auch in ein und demselben Charakter all ihre Qualitäten einfließen lassen. Zuvor war sie entweder nur die süße Naive („The Nanny Diaries“) oder die Femme Fatale („The Spirit“).

Ausnahmen wie „Match Point“ und „Lost in Translation“ zeigen, wie viel Potential in ihr steckt.

YP: Ich mag sie als Schauspielerin auch sehr gerne und bin gespannt, was sie noch aus ihrer Karriere macht. Aber experimentierfreudig war sie schon immer, erinnere dich an ihr Tom-Waits-Album …

PD: Das Album war eine interessante Angelegenheit, auch wenn ich sie nicht für eine gute Sängerin halte. Sie versucht sich aber eben in anderen Bereichen aus. Deshalb bin ich auch schon gespannt, wie ihr Regiedebüt „Summer Crossing“ (nach einem Roman von Truman Capote) wird.

YP: Vor allem würde ich mir mehr Action-Filme mit ihr als Leading Lady wünschen.

PD: Das muss nicht unbedingt sein. Sie darf gerne weiterhin zwischen Action-Ware und Arthouse-Kino hin und her pendeln. Mir wäre es sehr recht, wenn es generell mehr Actionheldinnen gäbe. So wartet eine Gina Carano heute noch auf passable Rollen, nach ihrem tollen Auftritt in „Haywire“.

YP: Sie stellt beispielsweise in „The Winter Soldier“ den blassen Chris Evans locker in den Schatten. Und auch im starbesetzten „Avengers“ nimmt sie den Raum ein, den sie braucht.

PD: Evans würde ich gar nicht als blass bezeichnen. Der Charakter des Captain America ist einfach der etwas uninteressantere. Vor allem, im Vergleich zu den anderen Avengers.

Her

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amy adams, Her, Joaquin Phoenix, Künstliche Intelligenz, Olivia Wilde, Rooney Mara, Scarlett Johansson, Spike Jonze

„Being John Malkovich“, „Adaptation“, „Where the Wild Things Are“ und nun die Sci-Fi-Romanze „Her“. Das Oeuvre von Spike Jonze, der für seine jüngste Arbeit einen Oscar für das Beste Drehbuch erhielt, ist geprägt von einem beeindruckenden Stilwillen. Doch nicht einzig sein leicht identifizierbarer Stil, sondern auch Fragen nach künstlicher Intelligenz und dem menschlichen Auseinanderdriften in einer technologisch fortgeschritteneren Gesellschaft sind die Themen unseres neuen Dialogs.

YP: Also da stand doch überall groß „Lost in Translation“ geschrieben …

PD: Findest du? Inwiefern?

YP: Die Großstadtaufnahmen. Die zwei etwas verlorenen Seelen, verschlungen vom großen Ganzen. Die Probleme in der zwischenmenschlichen Kommunikation. Sofia Coppola hatte doch einen großen Einfluss auf Jonze, das sieht man dem Film an. Es stört aber nicht. Beide Filme eignen sich für ein Double Feature.

PD: Jetzt wo du es erwähnst, kann ich mir eine Doppelvorführung der beiden Filme sehr gut vorstellen. Vor allem da auch noch Scarlett Johansson als verbindendes Element mit hinein spielt. Doch an „Lost in Translation“ musste ich während des Films ganz und gar nicht denken.

Meine Gedanken verliefen eher in Richtung „Eternal Sunshine of the Spotless Mind“. Zudem nimmt bei Coppola die Stadt einen sehr großen Teil der Erzählung ein, während bei Jonze diese futuristische Stadt (mit ihren asiatischen Einschüben) eher dezent im Hintergrund steht.

YP: So hintergründig fand ich die Stadt gar nicht. Um in Genretypen zu reden, ich finde „Her“ als Sci-Fi-Streifen viel gelungener als den Liebesfilm „Her“. Das futuristische Setting ist demnach sehr wichtig. Was ich dem Film gänzlich abkaufe ist dieses Davondriften. Die Menschen distanzieren sich voneinander, kommunizieren über Dritte (Theodores Brotjob als Schreiber von Liebesbriefen) oder kommunizieren mit künstlicher Intelligenz (die interaktiven Computer-Spiele, Samantha). Das schreit nach absehbarer Zukunft.

PD: Das war für mich eine der ganz großen Stärken des Films. Die Stadt, die einzelnen Orte (das Büro, die Wohnung) sowie die kleinen hinein spielenden Details (Werbescreens, das 3D-Spiel oder auch die Projektion im Fahrstuhl), machen diese Zukunftsvision greifbar, aber es wird nicht demonstrativ in den Vordergrund gestellt wie, sagen wir einmal, bei Spielberg in „Minority Report“ oder „A.I.“.

Lustigerweise gefiel mir „Her“ auch als Sci-Fi-Film besser, denn als Liebesgeschichte.

YP: Ach, so betrachtet stimmt das schon, dass die Darstellung der Zukunft hintergründig ist. Aber essentiell für die vordergründige Love Story zwischen Theodore und Samantha.

PD: Genau. Es ist unumgänglich, dass der Zuseher sich in dieser Welt verliert. Wie sollte man sonst die künstliche Intelligenz Samantha auch nur im Ansatz akzeptieren.

Ansonsten wäre Samantha auf dem Niveau von Chatrobotern wie „A.L.I.C.E.“ (http://alice.pandorabots.com/).

YP: Was dann noch hinzukommt: Ich kann mich nicht mit Theodore dentifizieren. Vielleicht fehlt mir da Samanthas Körperlichkeit, um die Geschichte glaubhaft zu finden. Einzig Amys (Amy Adams) und Catherines (Rooney Mara) Verhalten wirkt ansprechend. Dann ist da noch die Umbesetzung der Schauspielerin. Das ist mir ein Dorn im Auge, denn Samantha Morton war tatsächlich präsent und hat mit den anderen am Set kommunizieren können. Scarlett Johansson hat ihre Rolle im Tonstudio gemacht. Versteh mich nicht falsch, das macht sie fantastisch, ihre Stimme ist großartig und überhaupt sehr passend für diese Rolle, aber mir fehlt da irgendwie etwas, woran ich mich festhalten kann.

PD: Das ist allerdings eine Sache der Interpretation. Du gehst davon aus, dass Samantha Morton aufgrund ihrer Anwesenheit am Set eine fühlbarere Präsenz darstellen würde, denn es Johansson (die ja, laut Jonze, auch ein paar Szenen mit Phoenix durchspielte) ist.

Dieses Fehlen des körperlichen Kontakts fand ich spannend. Denn es ist schon zu Beginn in Theodores‘ (Phoenix) Verhalten festgelegt, dass er dies nicht unbedingt braucht, und zwar als er sich in einen Chat einloggt. Das langsam sich aufbauende Vertrauen zwischen Theodore und Samantha entsteht sehr natürlich, auch wenn mir die „Flitterwochen“-Momente in der ersten Hälfte zu lange dauerten. Erst die angedeuteten weiteren Entwicklungen im Bewusstsein von Samantha (im Kontakt mit anderen Systemen) und die Auswirkungen auf ihre Beziehung, waren für mich von größerem Interesse. Da musste ich auch immer an „A.I.“ denken.

YP: Es war kein Problem für mich, die körperlose Annäherung zwischen Theodore und Samantha zu beobachten, das habe ich so erfrischend gefunden. Das Zusammentreffen auf intellektueller statt körperlicher Ebene. Die Telefonsex/Cybersex-Szene spielt sich ohnehin im Kopf ab (und nicht auf der Leinwand).
Ich habe mich allerdings gefragt, ob und wie sich Theodore Samantha vorgestellt hat? Das hat er doch bestimmt, es ist unumgänglich. Sie ist auf der einen Seite offensichtlich das Mädchen seiner Träume und auf der anderen Seite hat er ein ernstzunehmendes Problem mit Frauen aus Fleisch und Blut (Catherine und sein von Olivia Wilde gespieltes Date). Das hat ihn ein bisschen zum Freak gemacht.

PD: Das war auch eine Frage die ich mir stellte: Inwieweit hat Theodore Probleme, sich mit Frauen (oder Menschen generell) einzulassen? Mit seiner Ex-Frau Catherine scheinen aber auch so viele glückliche Momente stattgefunden zu haben, dass es mir schwer fällt, ihn einfach als Freak abzutun. Viel mehr, fand ich das Verhalten des von Olivia Wilde gespielten Blind Dates eigenwillig. Dieses Drängen auf eine Verpflichtung, auf eine sofortige Festlegung des Beziehungsstatus bzw. der Absichten von Theodore war nicht minder eigenartig.

Zudem scheint er in seiner sozialen Abkapselung nicht alleine zu sein. Die Seitenblicke auf Passanten, die auch ständig mit ihren Betriebssystemen (den OS) in Kontakt zu stehen scheinen, deuten eher auf ein gesellschaftlich akzeptiertes Muster hin.

YP: Das ist mir auch aufgefallen, darum mein Einwand zu Beginn: Ich bin überzeugt davon, dass in einer uns noch bevorstehenden Zukunft sich die Menschen voneinander noch mehr distanzieren und vermehrt über technologische Errungenschaften kommunizieren werden.

PD: Dass sich die Menschen voneinander immer mehr distanzieren löst Jonze am Ende ja schön auf. Er zeigt keinen positiven oder negativen Abschluss (vor allem die negative Variante wäre ja sehr einfach gewesen), sondern lässt alles in der Schwebe.

YP: Die Angst vor dem Menschen zum Anfassen, Angst vor Beziehungen, die es auf eine gemeinsame Zukunft abzielen. Das ist in dieser einen Szene mit seinem Date ersichtlich. Und erschreckend.

PD: Diese soziale Neurose ist aber auch nicht großartig ungewöhnlich.

YP: Das sieht man auch bei der Szene mit Catherine, als sie sich zum Lunch treffen.

PD: Da haben wir es aber mit einem frisch geschiedenen Paar zu tun. Das kann gar nicht gütlich ablaufen, was zwar ein Klischee sein mag, aber mir erscheint es stimmig, wie sich Theodore und Catherine verhielten.

YP: Catherine hat ihm Verhaltensweisen vorgeworfen, die mich in dieser Feststellung bestärkt haben: Er war schon immer ein unzugänglicher Tüftler. Ein Romantiker. Theodore will ewig schweben, von der Seifenblase umschlossen sein. Eine Frau aus Fleisch und Blut ist ihm zu viel. Das ist mir einerseits zu sentimental, andererseits zu abgehoben.

PD: Das scheint die beiden zunächst einander näher gebracht zu haben, diese Romantik und dieses ewige auf Wolken schweben. Selbst mit Samantha ist er am Glücklichsten, wenn er in dieser Verliebtheitsphase steckt. Mit ihrer Weiterentwicklung kommt er nicht klar. So wie es wohl auch bei Catherine war … dass sich ein Mensch verändert, scheint für ihn nicht vorstellbar oder verarbeitbar zu sein.

YP: Ich wollte mich so unbedingt in den Film verlieben, vielleicht war ich zu verkrampft. Somit war es nur ein harmloser Flirt mit wunderschönen Bildern.

Mir war da zu viel rosa Schleier mit der „lens flare“ Optik.

PD: Da ging es mir anders. Ich war so fasziniert von der Vorstellung einer Zukunft, in der eine künstliche Intelligenz völlig umstandslos in unser Alltags- und Liebesleben eintritt, dass ich die Mängel der Liebesgeschichte (die mir, wie zuvor erwähnt, in der ersten Hälfte einfach etwas zu langatmig ausfiel) verdrängte.

Die Optik fügt sich schön in das Set Design und passt auch zur Kleidung der einzelnen Charaktere. Alle scheinen sich im selben Laden zu bedienen.

YP: Bis auf die Szenen mit Amy hat jede zwischenmenschliche Interaktion zwischen Theodore und den Frauen (Catherine, Date, Surrogate Body) eindeutiges Unbehagen verursacht. Besonders diese Szenen in seiner Wohnung, wo das blonde Mädchen Teil der Beziehung zwischen Theodore und Samantha sein wollte. Klarerweise konnte Samantha, die keinen Körper hat, das nicht nachvollziehen, aber da tat mir der Anblick Theodores schon weh. Diese Eindeutigkeit, dass Körper und Geiste (von mir aus Seele) Hand in Hand gehen und Sex mit dem Surrogate Body wie ein Seitensprung auf ihn wirkte.

PD: Da habe ich auch Theodore verstanden. Er hat sich von Anfang an deutlich gegen diese Idee Samanthas gestellt und konnte im Endeffekt nicht auf ihren Wunsch eingehen. Dass damit wohl auch ihre Beziehung zum Scheitern verurteilt war, ist eine andere Sache.

Das war eine Szene, wo ich sein Unbehagen am allerdeutlichsten verstand.

Abseits davon: Wie fandest du die Leistung von Scarlett Johansson? Sie gewann ja beim Filmfestival von Rom den Preis für die Beste Darstellerin und war auch für weitere Preise nominiert. Meiner Meinung nach völlig zu Recht.

YP: Bewundernswert. Auch deswegen, da sie nicht am gesamten Drehprozess beteiligt war. Es muss unheimlich schwer gewesen sein, immerhin ist sie Schauspielerin. Aber sie meistert das fantastisch und wie sie es schafft, stimmlich Erstaunen, Freude, Angst, Zweifel und die restliche emotionale Palette auszudrücken.

PD: Bei Johansson war ich fasziniert, wie schnell ich sie als eigenständigen Charakter akzeptierte und dies nur allein über ihre Stimme. Bislang waren die gefeierten Arbeiten im „Voice“-Bereich meist im Animationsfilm zu finden. Etwa Robin Williams in „Aladin“ oder Ellen DeGeneres in „Finding Nemo“. Doch da konnte man auch die animierte Reaktion, zu der Stimme betrachten. Hier musste Johansson einen Charakter ganz ohne jede Hilfe auf der Leinwand erschaffen. Imponierend.

YP: Ich finde auch, dass Joaquin Phoenix sehr gut spielt. Stark reduziert, doch stets treffend, etwas verklärt, immer romantisch.

PD: Phoenix hat mir auch gut gefallen. Seine Melancholie und dann die aus ihm heraus brechende Freude. Ich konnte aber auch nicht anders und musste sah ihn stets als eine Art „Avatar“ von Spike Jonze.

YP: Die sanfte Stimme in höherer Tonlage. Der Hipster-Look. Der Schnurrbart.

PD: Alles auf den Punkt genau.

YP: Noch eine Frage, die mich persönlich sehr beschäftigt: Kommt das Publikum umhin, sich einen Körper zur Stimme vorzustellen?

Jetzt mal abgesehen von den Dreharbeiten. Mir geht es nur um den Zugang zum Film, zur Figur.

PD: Das kommt wohl auch darauf an, wie weit man sich auf den Film einlässt bzw. wie sehr das Konzept von „Her“ überzeugt. Obwohl ich von der Idee begeistert war, stellte ich mir nie einen Körper zu der Stimme vor, da es immer wieder klar war, dass es sich um ein Computerprogramm handelt.

Viel mehr beschäftigte mich die Frage, inwieweit ein Programm mit Bewusstsein entstehen kann, wenn es auf Basis alter Werke geschrieben wird, so wie es im Film ja einmal mit Alan Watts geschieht. Was hat dieses Programm mit der realen Person gemein? Inwieweit handelt es sich um zwei voneinander unterschiedliche Identitäten?

Als Beispiel: Albert Einstein ersteht auf Basis seiner wissenschaftlichen Texte von neuem als K.I. zum Leben. Inwieweit hat diese K.I. etwas mit dem echten Einstein zu tun, inwieweit ist sie aber auch ein eigenes Wesen?

YP: Aber sie hat sich auch einen Namen ausgesucht. Und die Szenen mit dem  „Surrogate Body“. Es fehlt ihr offensichtlich etwas.

PD: Samantha schon, aber was ist mit dem „Alan Watts“-Programm, welches die anderen OS-Systeme, auf Basis der Schriften von Watts geschrieben haben? Das Programm trägt den Namen und das Wissen dieser realen Person.

YP: Das ist komplex. Für mich ist es diese Körperlosigkeit eben schwer vorstellbar, weil einen Menschen erst – haptische – Erfahrungen zum fühlenden Wesen machen. Man begreift die Welt mitunter und zum größten Teil erst durchs Berühren. Durch die Sinnesorgane.

PD: Darin lag für mich der Reiz des Films. Denn auch in Computersimulationen, tauchen wir in Welten ein, ohne wirklich in ihnen zu stecken. Es fehlt auch hier der haptische Kontakt und doch fühlt man sich (in einer richtig guten Simulation), als wäre man Teil dieser Welt.

YP: Sich auf jemanden einzulassen, der diesen selbstverständlichen Erfahrungsreichtum nicht teilt, die Idee an sich ist so verführerisch. Und herausfordernd, die eigene Rezeption betreffend. Das hat ein bisschen etwas von „The Science of Sleep“ von Michel Gondry.

Don Jon

Schlagwörter

Brie Larson, don jon, Julianne Moore, Scarlett Johansson, Tony Danza

Dies ist der Startschuss zu unserem Blogformat „Film im Dialog“. Meistens folgt an dieser Stelle ein Gespräch über aktuelle und nicht so aktuelle Kinofilme. Unterschiedliche Meinungen, Überschneidungen, Abschweifungen und der Versuch eines Dialogs über einen Film.

Unser erstes Studienobjekt ist Joseph Gordon-Levitts Regiedebut „Don Jon“, zu welchem er das Drehbuch verfasste und auch die Titelrolle des nach Internet-Pornografie süchtigen Frauenhelden Don Martello spielt. Als Frau seiner Träume agiert Scarlett Johansson. In weiteren Rollen zu sehen sind die immer wunderbare Julianne Moore sowie Brie Larson als Dons beinahe stumme, Handysüchtige Schwester und Tony Danza als sein Vater.

YP: Wie hat dir Don Jon auf einer Skala von 1 bis 5 gefallen?

PD: Da würde ich wohl eine gut gemeinte 3 geben. „Gut gemeint“ ist glaube ich auch ein passender Begriff für den ganzen Film.

YP: 3 von 5 Punkten halte ich für durchaus gerecht. Vielleicht sogar 3,5 von 5, in Anbetracht der Tatsache, dass es sich um ein Regie-Debüt handelt.

PD: Aber macht man Regie-Debütanten einen Gefallen damit, ihre Erstwerke „sanfter“ zu benoten, „nur“ weil es Erstlingswerke sind? Schließlich sieht man ja, dass Levitt zu inszenieren versteht. Die Rituale im Leben von Don, der Gang ins Fitnessstudio, die Familienessen, der Gang in die Kirche zur Predigt, der Sex und natürlich der Konsum von Internet-Pornos, spiegeln sich schön in der Inszenierung wieder, die mit den immer selben Signalbildern aufwartet. Da spiegelt sich schon Talent wieder.

YP: Nehmen wir doch „Garden State“ von Zach Braff her, der bei mir auch nicht mehr als 3,5 von 5 Punkten bekommt. Das ist ja ein ganz nett gemachter, süßer Film. Im Vergleich dazu fand ich „Don Jon“ nicht schlechter.

PD: „Garden State“ – interessant, schließlich spielen beide in New Jersey – hat bei mir auch eine 3,5 und zwar, weil ich sowohl das Drehbuch als auch die Inszenierung für eine Spur gewitzter und „gereifter“ halte. Levitt verlässt sich zu sehr auf seinen Eröffnungsschmäh, mit der Pornoclip-Sucht. „Garden State“ vertraut auch sehr auf Klischees, hat dabei aber viele eigenständige Charaktere zu bieten, die abseits von einfachen Schmähs funktionieren. Die Charaktere bei „Don Jon“ sind mir hingegen viel zu sehr reine, wandelnde Klischees. Das Drehbuch ist voller Klischees, im Grunde eine äußerst simple „Vom Saulus zum Paulus“-Geschichte.

YP: Dem muss ich widersprechen. Ich habe zwar „Garden State“ länger nicht gesehen, aber der steckt doch auch voller Plattitüden die Charaktere betreffend. Alleine der Charakter von Natalie Portman, da kriege ich eine Gänsehaut. Das ist doch kein guter Frauencharakter, der da porträtiert wurde. Ich halte die „Don Jon“-Charaktere ebenso für stereotypisch, aber ich störe mich weniger daran, weil dadurch die Komik-Ebene mehr bedient wird.

PD: Plattitüden. Ja, sicher aber in „Don Jon“ werden ganze Charaktere verschenkt. Jons Schwester ist ein einziger billger Witz. Sie hängt am Handy und hat dann am Ende die einzig wahre Aussage. „Garden State“ ist sentimentaler während bei „Don Jon“ die Wuchtel ein wenig wichtiger ist.

YP: Die Schwester fand ich großartig! Das sind Teenager heutzutage, so siehts bei uns am Sonnstagstisch auch aus, mein Bruder lässt das Handy nicht aus der Hand. Vielleicht hat er Angst ihm würde es jemand stehlen …

PD: Ich verleugne ja gar nicht, dass es am Sonntagstisch zum Teil so aussieht aber der Charakter hat außer dieser Handysucht keinerlei Persönlichkeit.

YP: Und nehmen mir mal Barbara her, gespielt von der atemberaubenden Scarlett. Die ersten 5 Minuten wirkt sie wie eine Filmdiva, wie wir es vom Hitchcock inszeniert kennen. Und dann das Schmatzen mit dem Kaugummi, die vulgäre Art, sie entpuppt sich als absolute Tussi. Das hat mir so gut gefallen. Weil du richtig verarscht wirst vom Regisseur.

PD: Guter Punkt. Levitt hat generell gut gecastet aber zugleich sich schlicht auf das Image der Darstellerinnen verlassen. Johansson und Moore spielen kaum, sondern tragen das bekannte Image (Sexbombe dort, ein bisserl exzentrische Alternativ-Tante da) vor sich her. In diesem Punkt war ich von Levitts darstellerischer Leistung überzeugter. Er hat sich selbst mehr Möglichkeiten gegeben um zu schauspielern.

YP: Eben nicht, Sexbombe nur am Anfang und dann wird sie richtig unsympathisch, worunter auch das Image der Sexbombe leidet.

PD: Ich fand gar nicht dass sie wie eine Filmdiva wirkt, sondern wie eine Disco-Prinzessin. Durch die Augen von Jon war eindeutig zu sehen, dass er sie vergöttert aber bereits in den ersten Minuten war dieser omnipräsente Kaugummi. Das Image der Sexbombe leidet da Levitt auch Johanssons verzerrte Weltsicht darstellt. Eine Sicht in der ein Mann nicht zu putzen hat und Rom-Coms die wahre Welt spiegeln. Das wird geschickt gegeneinander ausgespielt. Seine verzerrte Sicht auf Sex durch die Porno-Clips vs. ihre verzerrte Weltsicht durch die Rom-Coms (schöne Cameos von Tatum und Hathaway übrigens).

YP: Genau, durch die Augen von Jon ist sie unglaublich schön und da schwingt viel Anbetung mit. Dann erlaubt die Kamera es uns ein eigenes Bild zu machen und es lichtet sich in die White Trash Bitch.

PD: Da sind wir dann beim Wechsel des erzählerischen Tonfalls, von der reinen Komödie hin zur Dramedy. Den kriegt Levitt inszenatorisch ganz gut hin aber das Drehbuch ist zum Teil schwach.

YP: Ich gebe dir schon Recht, dass man mehr aus den Charakteren hätte rausholen können. Ich bin auch überzeugt, hätte er weniger bekannte Darstellerinnen genommen, insbesondere Moore und Johansson, hätte das noch besser funktioniert, weil dann die Schauspieler nicht so in den Vordergrund treten. Wie gesagt, ich konnte mit den Stereotypen gut leben, da es durchwegs eine Comedy mit kleinen Drama-Elementen ist.

PD: Da sind wir dann beim ökonomischen Faktor. Du produzierst dein Regie-Debüt und kennst schon halb Hollywood. Natürlich möchtest du dein Geld wieder herein spielen und eventuell sogar einen feinen Gewinn machen.

YP: Absolut verständlich. Ich hätte es nicht anders gemacht.

PD: Die Drama-Elemente, die dann am Ende überwiegen, waren mir aber ein wenig zu plump aufgetragen. Das „ineinander aufgehen“ beim Liebesakt mit Esther hat sich bereits so weit im Voraus angekündigt. Zudem, da sind wir wieder bei der Ausarbeitung der Charaktere, war Esther auch ein reiner Stichwortgeber, wenn es um die eigene Hintergrundgeschichte ging. Sie war nur ein Katalysator für Jons Wandlung und Erkenntnis. Der Film hätte einfach unglaublich davon profitiert, wenn Levitt sich irgendeinen Rat beim Drehbuch geholt hätte. So wirkt es, als habe er das Drehbuch in den PC geklopft und einfach mal verfilmt. Eine Überarbeitung durch einen Profi hätte dem ganzen Projekt gut getan. „Don Jon“ ist ja kein schlechter Film, bei Gott nicht aber einfach einer der so viel mehr in sich trägt. Mir gefiel etwa auch die Darstellung der italo-amerikanischen Community. Dabei musste ich ein wenig an „Jersey Shore“ denken.

PD: Wie gefiel dir Tony Danza?

YP: Gut. Ich war erfreut, ihn mal wieder zu sehen in einem Film. Ehrlich gesagt, kann ich mich nicht erinnern, wann ich ihn das letzte Mal gesehen habe in einem Film. Als Kind habe ich so gerne die Serie „Wer ist hier der Boss?“ geschaut.

PD: Genau wie bei mir. Ich bin mir sicher, er hat schon x-Projekte seitdem gehabt und womöglich ist er mir irgendwo mal über den Weg gelaufen aber so prominent wurde er auch schon lange nicht mehr eingesetzt. Das war schön zu sehen.

YP: Eigentlich hat Levitt seine Sache gut gemacht. Ich würde nicht sagen, dass wir bei Debüt-Filmen zu milde mit den Neomachern ins Gericht gehen. Bei mir ist es eher so, dass ich es mit Filmen alteingesessener Regisseure vergleiche und mir denke, geh bitte!!! Denken wir nur an Komödien-Regisseure wie Judd Apatow.

PD: Ein großer Produzent aber ein schwacher Regisseur. Es ist ja schon länger her, dass ich einen „Directed by Judd Apatow“-Film gesehen habe aber er hat eine Tendenz seine Ideen einfach zu sehr auszureizen. Davor ist er als Produzent/Autor auch nicht gefeit aber Filme wie „Pineapple Express“ oder „Anchorman“ wissen sich ein wenig einzubremsen.

YP: Für mich zeigt Levitt extrem viel Potential und ich denke, dass das eine der besseren Komödien ist, die ich dieses Jahr gesehen habe.

PD: In diesem Jahr habe ich nur wenige gute Komödien gesehen. „The World’s End“ hat mir gut gefallen. „Last Vegas“ sehe ich mir eventuell an aber auch nur weil ich Kevin Kline schon lange nicht mehr auf der großen Leinwand sah. „Don Jon“ ist ja ein erfrischender Film, der so schön unverkrampft mit einem krampfigen Thema umgeht aber mir widerstrebt, eine so verbesserungswürdige Arbeit höher zu loben als sie es eben verdient hat. Levitt beweist mit „Don Jon“ auch, dass er absolut ein Leading Man ist.

YP: Ja, ich werde ihn mir auch bestimmt ansehen. Aber du sagst es, wo sind all die Komödien heuer hingekommen? Gab es welche? Ich müsste mich jetzt prompt für „This Is The End“ und „Don Jon“ als beste heuer aussprechen. Da siehst du wie wenige gute Komödien herausgekommen sind.

PD: Beziehungsweise wie viele Komödien im Grunde Dramen/Melodramen sind. Ich trau mich zum Beispiel gar nicht sagen ob „Filth“ (auf den ich schon gespannt bin) eine Komödie ist. Sieht mir eher nach einer bitterbösen Krimi-Satire aus.

YP: Ist „Spring Breakers“ eigentlich eine Komödie?

PD: Gute Frage. Wo ziehen wir die Grenze? „Spring Breakers“, „The Bling Ring“ sind für mich Satiren und würde ich nicht auf eine Stufe mit Filmen wie „Don Jon“ stellen. Da sind wir wieder bei der leidigen Frage, wo Genre-Grenzen verlaufen.

YP: Ich muss auch dazusagen, dass ich mit Komik in Filmen nicht so schnell was anfangen kann. Serienkomik und Comedy funktioniert allemal, aber in Filmen tue ich mir schwer damit. Steve Carrell ist einfach nur großartig in „The Office“. Denke ich an seine Filme (heuer „The Incredible Burt Wonderstone“) frage ich mich, warum er solche Filme macht. Ich habe auch bei „The Avengers“ mehr gelacht als bei irgendeiner Komödie … Von mir aus auch „Star Trek Into Darkness“. Ich war köstlich amüsiert.

PD: Deshalb wirkt ja „Don Jon“ so wunderbar erfrischend. Man lacht über gelungene Gags, dass dahinter etliche „Fehler“ lauern, bemerkt man zunächst gar nicht und freut sich zunächst mal über den Unterhaltungswert. „Star Trek Into Darkness“ (laut ein paar verwirrten Trekkies der schlechteste Star Trek aller Zeiten…noch nie Teil 5 gesehen?) hat trotz seiner düsteren Atmosphäre wieder die typischen Star Trek-Schmähs und baut auch auf dem Vorwissen seines Publikums auf. Post-Moderner-Humor in Post-Modernen-Blockbustern.

YP: Damit kann ich gut leben, das ist Erlebniskino! Jetzt fällt mir ein toller Film ein, den ich heuer gesehen habe und den ich so toll finde: „Moonrise Kingdom“. Den könnte ich mir in regelmäßigen Abständen anschauen, ich kriege mich oft nicht ein vor Lachen und gut ist er auch noch!

PD: Wes Anderson vs. Joseph Gordon-Levitt. Anderson baut sehr auf dem Setdesign, den Kostümen und den Kamerafahrten auf. Zudem baut er unglaublich stimmungsvolle Musik in seine Filme ein. Levitt hatte auch eine glückliche Hand bei der Musikwahl aber sein Humor zielt dann doch mehr auf die Oberfläche ab. Dagegen ist ja gar nix zu sagen aber der „Apple-Ton“-Schmäh ist eben einfach auf etwas anderes abzielend, denn Andersons.

YP: Allerdings plädiere ich dafür, dass die Grenze gezogen werden muss: Wenn Komödie draufsteht, dann will ich unterhalten werden! Und welche Art von Humor das ist, das ist mir egal! Meistens werde ich von Wes Anderson Filmen unterhalten, immer auch von Edgar Wright! Positivbeispiele für humorvolle Filme, müssen nicht einmal als Komödien ausgewiesen sein. Manchmal denke ich in Schubladen, zumindest was mache Filme betrifft.

PD: „Don Jon“ funktioniert ja eben beim Humor, doch der Wechsel ins dramatische Fach, wenn Jon seine Wandlung durchlebt, ist nicht ganz stimmig inszeniert.

YP: Wie du dich erinnern kannst, hat „The Cabin in the Woods“ überhaupt nicht bei mir funktioniert. Als Horrorfilm nicht, jetzt im Genredenken. Aber sehr gelungener humorvoller Film, den ich mir unbedingt nochmal anschauen werde.

PD:„The Cabin in the Woods“ etwa, hat für mich als Horror-Komödie gut funktioniert. So wie „Shaun of the Dead“. Beide Filme funktionieren als Parodien und zugleich als Genre-Beiträge.

YP: „Shaun of the Dead“ fand ich großartig!

PD: „Hot Fuzz“ ist sogar eine Spur besser. „Shaun of the Dead“ ist bei mir auf einer Stufe mit „The World’s End“.

YP: Ich würde sagen 1. „Scott Pilgrim vs. The World“, 2. „Hot Fuzz“ und 3. „Shaun of the Dead“

PD: Keine schlechte Werkliste für so einen jungen Filmemacher.

YP: Einer meiner liebsten Regisseure.

PD: Deshalb freue ich mich schon ohne Ende auf „Ant-Man“. Das ist wie gemacht für Wright.

YP: Seien wir gespannt!

PD: Auch auf nächste Woche.